Modigliani, Amedeo Clemente

Nació en Livorno, Italia 1884, en el seno de una familia judía, el 12 de julio de 1884, su salud fue frágil, a los once años contrajo pleuritis y tres años después un tifus, con complicaciones pulmonares que nunca le abandonarían, la muerte ya se había anunciado y con ella la vocación del muchacho: se consagrará al dibujo y renunciará a cualquier otro tipo de formación.

Estudió arte en Florencia y París donde entabló contacto con los artistas de vanguardia siendo influido por ellos. Destacó por la elegancia y simplicidad de sus retratos y desnudos femeninos. Las primeras obras de Modigliani son esculturas inspiradas en las máscaras africanas, aunque realizó también algún que otro cuadro.

Las pinturas de Modigliani, suaves y delicadas, se caracterizan por su simplificación, sus líneas sinuosas, las formas planas y las proporciones alargadas. La mayor parte de su obra la integran retratos y estudios de la figura humana, siendo característicos de estos los rostros ovalados que tan popular le hicieron.

En diciembre de 1917 Zborowsky organizó una muestra en la galería de Berthe Weill en la Rue Taitbout. Weill, de origen alsaciano, era una de las figuras más originales del mercado del arte de aquellos años; bien aconsejada expuso a Matisse, Picasso, Dufy, Utrillo. Derain y naturalmente Modigliani.

El día de la inauguración del artista livornés, los desnudos expuestos suscitaron tal escándalo que el comisario de policía del barrio, que tenía sus oficinas frente a la galería, tuvo que intervenir amenazando con secuestrar los cuadros si no eran retirados de inmediato. Por fortuna, la exposición no fue clausurada, pero Weill y Zborowsky sólo consiguieron vender dos dibujos a treinta francos cada uno. Entonces Berthe, para no desanimar a Zborowsky, le compró cinco cuadros.

Es difícil imaginar el motivo por el cual los desnudos de Modigliani causaron tanto escándalo; desde luego el desnudo no era una novedad en la pintura. Sin embargo es posible conjeturar que el encuadre de la representación contribuyese a alejar la idea de una modelo colocada cuidadosamente en pose, acercando por el contrario la imagen a la realidad íntima de una mujer cualquiera desnuda sobre el lecho.

Falleció el sábado 24 de enero de 1920, a las 8,45 de la noche, en el hospital de la Caridad de París, tenía treinta y seis años. Siete horas después, su musa y compañera, Jeanne Hébuterne, con un hijo del pintor en sus entrañas, se arrojó desde un quinto piso de la casa paterna. Atrás quedaba, única superviviente del naufragio, una niña de catorce meses, Jeanne, hija de ambos, que falleció a los sesenta y seis años, en julio de 1984, celebrando puntualmente con su propia muerte el centenario del nacimiento del artista. Consagró su vida a la recuperación de la obra y de la verdad del padre deformado por el romanticismo de siempre.

"Desnudo Rojo"

• Cálidos: Hay dos grandes vertientes en su pintura: los desnudos y los retratados. Ambos están ligados, ya que los desnudos también son retratos, y siguen el esquema de líneas gruesas para el contorno y colores cálidos.
• Desnudos: Los críticos de la época lo tacharon como obsceno, cerrándole la única exposición que pudo realizar en 1917. Modigliani causó sensación ya que no daba nada a la imaginación, las imágenes era directas, desnudos en posiciones lascivas y sin absolutamente nada de ropa.
• Ojos: Normalmente, Modigliani no pintaba pupilas a sus retratados, siendo todo el ojo negro. Esto aumentaba el carácter de fantasma, de no individuo, de la figura.
• Rasgos: Todos los retratos de Modigliani siguen idénticos aspectos: ojos almendrados, nariz puntiaguda, contorno con una línea gruesa negra, cuellos largos, esbeltez.
• Rojo: El color rojo era uno de los que más utilizaba y adoraba el artista.
• Mezcla: Su estilo único y personal, ya que nadie siguió su estela, mezcla los elementos modernistas con los cubistas, expresionistas y el fauvismo (sobre todo la mezcla de colores).

Opinión personal sobre "Desnudo Rojo":

Me parece un cuadro especialmente bonito. Los tonos están bien escogidos ya que hacen contraste con el rojo y también desde mi punto de vista plasma las curvas de esa mujer con mucho detalle y casi roza la perfección de un cuerpo femenino; los ojos para mi dejan un poco que desear, pero, como se explica mas arriba, él pintaba los ojos negros, para dar una impresión de "cuerpo sin alma". Me parece un poco fuerte que fueran censurados sus cuadros ya que no eran los primeros desnudos que se publicaban, y unos cuadros muy bonitos. Por último cabe destacar que como yo y Henri Matisse, Modigliani comparte el gusto por el apasionante color rojo.

La información ha sido sacada de:

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Henri Matisse

Descendía de una familia de comerciantes de cereales. Empezó a pintar en 1890, año en que abandona sus estudios de jurisprudencia. En París se inscribe en la Academia Julien y luego en la Academia de Bellas Artes digirida por Moreau, que proponía que no se copiaran las obras de modo mimético. En el Louvre frecuentó a los grandes maestros, e incluso llegó a copiar sus cuadros. Pronto puso en tela de juicio la noción de estricta imitación de la realidad. Matisse apuesta por la esencia y no tanto por la apariencia de realidad fotográfica.

Para él el color es el que da entidad a la pintura, el color puede desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva, de sombra de volumen... . Observa que la vida es color y lo plasma en su pintura. La supresión de sombras y su sustitución por colores puros hace que la pintura brille más que nunca. Matisse dibuja con el color y lo distribuye en el espacio de modo que éste quede sugerido sin que se produzcan las deformaciones de la perspectiva.
El arte de Matisse es amable, de gran luminosidad, apacible, pero no por ello ingenuo, sino de gran virtuosismo e inteligencia. Sus ventanas se abren al silencio, y la luminosidad no provoca sombras, ni degradaciones, sino que se mantiene en un estado de plenitud y de serenidad que oculta el esfuerzo realizado. En sus obras vuelca la alegría de la meditación, exenta de inquietudes. Su obra es un resultado de orden, imaginación, disciplina y libertad.
Propone un arte calmado que reconforte al hombre fatigado, que lo serene. Su espíritu domina sobre la obra. Su arte es un camino hacia la profundidad de sí mismo, llegados a esta meta, descubrimos el silencio.
Matisse trabaja a base de amplias áreas de color, mostrándose con ello heredero de Gauguin. La pintura se hace presente a través del grumo y del empaste, sentimos la pintura como materia. La mancha plana de color provoca en nosotros un valor plástico y figurativo. Matisse construye sobre el color.

"Armonía en Rojo"

Se representa un comedor donde todos los elementos que forman la pintura se subordinan al color puro e intenso. Predomina el rojo, uno de los preferidos de Matisse, y se puede observar que utiliza el color de forma subjetiva (pelo naranja, copa de árbol blanca, vino amarillo...). El dibujo curvilineo se esquematiza y las formas se simplifican al máximo. No hay volumen. Son espacios planos el espacio olvida la perspectiva totalmente (bidimensionalidad), llegando incluso a que la decoración y el color del mantel y la pared sea igual, hasta confundirse ya que prescinde de las diferencias de tonalidad, de sombras o claroscuro para el interior.

Se pone de manifiesto una característica peculiar de Matisse, que lo diferencia de otros pintores fauvistas, su gusto por la ornamentación que se pone de manifiesto en los arabescos. Esta característica es la que alejará a Matisse de otros pintores fauvistas y la que provocará que el grupo se disgregue.
La obra fue realizada para un coleccionista ruso, y se había realizado originalmente en azul y verde, pero a Matisse no le gustó y lo repintó en rojo.

Opinión personal sobre "Armonía en Rojo":

Por lo visto yo y Matisse tenemos un gusto en común, el color rojo.

Todos los colores están bien elegidos para hacer contraste y resaltar en el rojo. Una cosa que me llama mucho la atención es el uso distinto o cambiado de los colores, por ejemplo, la copa del árbol que debería ser verde, es blanca; las hojas y ramas del mantel y de la pared, que también deberían ser verdes, son moradas... Y de mi punto de vista está muy bien ver cuadros innovadores que no siempre se repite lo mismo.

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Toulausse - Lautrec, Henri de

Henri de Toulouse-Lautrec nació el 24 de noviembre de 1864, en el sur de Francia. Hijo y heredero del conde Alphonse-Charles de Toulouse, que fue el último en la línea de una familia aristocrática que se remonta a mil años. Hoy en día, las casas de familia de los bienes del museo Toulouse-Lautrec. Como un niño, Henri era débil ya menudo enfermo.Pero por el momento en que tenía diez años había empezado a dibujar y pintar.

En los doce años de Toulouse-Lautrec se rompió la pierna izquierda y a los catorce años de su pierna derecha. Los huesos no se curan bien, y sus piernas dejaron de crecer. Llegó a la madurez con el tronco de un cuerpo de tamaño normal, pero con las piernas anormalmente corto. Tenía sólo 4 1 / 2 pies (1,5 metros) de altura.

Privados de la vida física de que un organismo normal habría permitido, Toulouse-Lautrec vivió completamente para su arte. Él vivía en la sección de Montmartre, el centro del entretenimiento de cabaret y la vida bohemia que le gustaba representar en su trabajo. Salas de baile y discotecas, pistas de carreras, las prostitutas - todos estos fueron inmortalizados en un lienzo o hecho en litografías.

Toulouse-Lautrec fue en gran medida una parte activa de esta comunidad. Se sentaba en una mesa concurrido bar, riendo y bebiendo, mientras hacía bocetos rápidos. A la mañana siguiente en su estudio que ampliaría los dibujos en pinturas de colores brillantes.

Con el fin de participar en la vida de Montmartre -, así como para fortalecer a sí mismo contra la burla de la multitud de su aparición - Toulouse-Lautrec empezó a beber en exceso. En la década de 1890 el consumo estaba afectando a su salud.Él se limitó primero a un sanatorio y luego a la atención de su madre en casa, pero no pudo mantenerse alejado del alcohol. De Toulouse-Lautrec murió el 9 de septiembre de 1901, en el castillo de la familia de Malromé.

"Salón de la rue des Moulins"

Una de las obras más famosas de Toulouse-Lautrec, las protagonistas son unas prostitutas del famoso "Salón de la Rue des Moulins" que están esperando la llegada de clientes. Henri frecuentaba este burdel y, posiblemente, la mujer que contemplamos en primer plano sea Mireille, su favorita. La del fondo, vestida de negro con la nariz respingona es Rolande, otra de sus admiradas. La riqueza del prostíbulo causaba sensación entre sus visitantes, en especial por sus lujosas habitaciones decoradas al estilo chino, oriental, japonés o gótico, en las que los que los ricos clientes podían satisfacer sus escondidas fantasías eróticas. El propio pintor vivió durante una temporada en el Salón, donde invitaba a sus amigos y marchantes diciendo que era su estudio. Toulouse-Lautrec ha querido representar el aburrimiento de las prostitutas a la espera de clientes; no existe comunicación entre ellas, están aisladas quizás por la presencia de Madame Baron, la mujer vestida de rosa, que regentaba el negocio. Gran aficionado a las diagonales como recurso compositivo - como ya puso de manifiesto en obras anteriores como En el Moulin Rouge - Lautrec vuelve aquí a emplearlas para situar sus figuras en el espacio. La profundidad se consigue al colocar a las mujeres en planos paralelos, distorsionando el fondo del salón morisco, del que contemplamos una columna. El firme dibujo vuelve a ser la característica definitoria de Toulouse-Lautrec aunque también hay que advertir el interés por el color, especialmente las tonalidades oscuras a las que añade tonos claros que dan mayor alegría al conjunto. La fotografía y Degas serán dos de sus mayores influencias. La obra fue pintada en el estudio de Henri, al que acudieron las mujeres para posar, como atestigua una fotografía de la época.

Opinión personal sobre "Salón de la rue Moulin Rouge":

A pesar de ser un cuadro en el que se reflejan prostitutas de un cabaret, yo personalmente no lo veo un cuadro vulgar, totalmente al contrario, refleja la realidad en la que las prostitutas no son bellas y esbeltas, por el contrario son gorditas y feas.

Me llama mucho la atención lo tapada que esta la madamme en comparación con las otras mujeres y también los tonos rojos y burdeos que utilizó para el decorado.

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Paul Cezanne

Figura fundamental para la vanguardia del siglo XX, Picasso y Matisse lo admiraron profundamente. Lleva una biografía monótona. Es autónomo y solitario. Él estuvo al margen de las exposiciones, realizó su labor de forma aislada. En su aislamiento concibe su pintura como investigación y búsqueda de la verdad. Él impuso una visión subjetiva.
Nace en 1839 en Aix-en-Provence en el seno de una familia de gran holgura económica. En 1859 su padre compra una mansión, era una gran finca, y aquí es donde Cézanne entra en contacto con la naturaleza. Su padre le proporcionó una formación humanística muy amplia. Cézanne tuvo como condiscípulo a E. Zola, que le abrió todo el campo de la literatura romántica y los planteamientos del Realismo y Naturalismo, luego su amistad quedó rota. La primera formación fue en Aix-en-Provence siguiendo cursos de dibujo que tenían como punto de partida a David e Ingres. Sus primeras obras son las típicas copias. Su padre se empeñó en que estudiara derecho, con el apoyo materno consigue su traslado a París para empezar su carrera como pintor. Llega a París en 1861, allí es donde Zola le orienta. Comenzó a copiar en el Louvre, copia a Caravaggio, Rubens, el Greco, Zurbarán, Velázquez... También descubre la pintura del Romanticismo y del Realismo. Una referencia es Delacroix, en él encontró una pintura apasionada, vehemente, de contenido literario, muy importante para su primera etapa. Conoce la pintura de Courbet, Daumier y Millet que después le acercan a la realidad y le llevan a abandonar los contenidos literarios.
No consiguió el ingreso en la Academia de Bellas Arte de París, este fue su primer fracaso. Así, cada vez se va aislando más por la incomprensión del entorno.

"Naturaleza Muerta, con cortina y jarrón de flores"

En el otoño de 1899 Cézanne se traslada a Aix donde permanecerá de manera ininterrumpida por un periodo de cinco años. El 25 de noviembre se vende el Jas de Bouffan -a pesar de los deseos contrarios del maestro- por 75.000 francos y Cézanne se traslada a un pequeño piso de la rue Boulegnon donde será cuidado por madame Bremond, su ama de llaves. En estos años pintará esta naturaleza muerta que contemplamos. Sobre una mesa podemos observar varios manteles blancos y dos platos que contienen naranjas y limones. Entre ellos se muestra una jarra floreada y diversas frutas fuera de los platos. Como si de un teatro se tratara, un grueso cortinaje rameado cierra la composición en el lateral izquierdo. La mesa se desarrolla en profundidad, utilizando el maestro varias perspectivas por lo que rompe con la perspectiva tradicional. Así la mesa y los platos se levantan para poder ser contemplados mejor mientras que el jarrón y algunas frutas son vistos de frente. Algunas de las líneas, especialmente de la mesa, se rompen de manera arbitraria debido a la ubicación de los manteles.
Las formas redondeadas se adueñan de la composición, manifestando la tendencia del maestro por captar los volúmenes y las formas de todos los elementos que se encuentran en la escena, rompiendo de esta manera con la tendencia del impresionismo -especialmente Monet- más interesado en las luces y las atmósferas, aunque no renuncie a representar las sombras coloreadas como observamos en los manteles. Para ello apreciamos como las siluetas están definidas por una línea oscura, en sintonía con el sintetismo de Gauguin. Los colores serán los creadores de estas formas, aplicados de manera fluida, apreciándose en algunas zonas la pincelada en forma de facetas que caracterizará el cubismo.

Opinión personal sobre "Naturaleza Muerta":

A pesar de los tonos oscuros de la cortina, me parece un cuadro alegre que transmite buenas vibraciones, al menos para mí. Yo destacaría que tiene una especie de "raya" casi a la mitad en la que en la parte de arriba utiliza tonos tristes y oscuros y en la parte de abajo colores claros y muy vivos, como por ejemplo el naranja. El jarrón particularmente me parece muy bonito aunque este hecho, como explica Gonzalo =), a travéz de manchitas se ve claramente la flor.

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Van Gogh, Vincent Willem

Nació en Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 y falleció en Francia, 29 de julio de 1890. Fue un pintor holandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron 650 de sus 800 cartas conservadas.

La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose una de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen. Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo.

"La Noche Estrellada"

El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Con esta conocida obra se acerca a una concepción cósmica, es una naturaleza que abruma. Representa la pequeñez del se humano frente a las fuerzas de la naturaleza. La agitación es de espasmo. Hay una visión doble de sol y luna. El ámbito humano queda aplastado por el movimiento de la bóveda celeste. Los astros están a punto de chocar, nos hallamos ante un eminente fin del mundo, ante el mayor de los cataclismos. Data de mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de van Gogh. Por el significado podría enlazar el Romanticismo, en línea de un Friedrich, también sirve de puente de unión con el Expresionismo posterior que participa de la concepción del universo incidiendo en la pequeñez del hombre. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Considerado como el magnum opus de Van Gogh, el cuadro ha sido reproducido en numerosas ocasiones, siendo un a de sus obras más conocidas.

Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta primavera del 89: malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista. Todos estos efectos se consiguen por medio de una pincelada larga, arremolinada y espasmódica.

Opinión personal sobre "La Noche Estrellada":

A mi, personalmente, el cuadro me expresa mucha confusión y desorden, hasta diría rabia y creo que era justamente eso que Van Gogh quería plasmar con esos tonos tan oscuros que utilizó. Pero, me llama mucho la atención ese cuadro, porque a mí, me gusta la noche y también el contraste que hizo él entre en azul oscuro y el amarillo.

En el cuadro se puede apreciar la pequeñez de la ciudad comparada con el universo, como casi se chocan los astros y también la interposición del Sol y la Luna.

La información ha sido sacada de:

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Berthe Morisot

Nació en Francia en Bourges (1841) y falleció en París (1845).

Los primeros pasos artísticos de esta pintora impresionista francesa fueron con Corot, interesándose por el paisaje realista. Frecuentaba el Louvre como copista y allí conocería a Manet, emparentándose con él al contraer matrimonio con su hermano menor, Eugène. Incluso fue la modelo de algunos cuadros como En el balcón. Paulatinamente inició su relación con los impresionistas, participando en la primera Exposición del grupo en 1874 y en las siete que siguieron. Monet será el primero de quien tomará algunas notas para, desde 1885, evidenciar la influencia de Renoir en esas obras de temática familiar y cotidiana ejecutadas con rapidez y claras tonalidades, dotando a su pintura de un atractivo intimismo.

"La Cuna"

La Cuna, sin duda alguna, el cuadro más famoso de Berthe Morisot, fue pintado en 1872, en París. La artista representa en él a una de sus hermanas, Edma, velando por el sueño de su hija, Blanche. Es la primera aparición de una imagen de maternidad en la obra de Morisot, tema que se convertirá en uno de sus argumentos de predilección.

La mirada de la madre, la línea de su brazo izquierdo doblado, al que hace frente el brazo también plegado del niño, los ojos cerrados del bebé, dibujan una diagonal que resalta todavía más el movimiento de la cortina en el fondo. Esta diagonal relaciona la madre con su hijo. El gesto de Edma, que corre el visillo de la cuna entre el espectador y el bebé, intensifica todavía más el sentimiento de intimidad y de amor protector expresado en el cuadro.

Opinión personal sobre "La Cuna":

A mi, personalmente, me parece un cuadro que despertaría muchísima ternura en cualquiera que lo admirase, ya que el tema de la maternidad esta muy acertado y es muy interesante el contraste que se aprecia entre el blanco y el negro, y también que los tonos que utilizó no se desvían de esa línea.

La información ha sido sacada de:

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