Emil Nolde

Nació en Nolde en 1867, su verdadero nombre era Emil Hansen, que cambió por el de su ciudad de origen. Su familia era campesina, de una región cercana a la frontera danesa. Se inició en el arte en Flensburg como tallista de figuras de madera. Sólo el éxito de unas extrañas tarjetas postales, que reproducían algunas obras suyas, permitieron a Nolde dedicarse a su formación pictórica sin agobios económicos. En París descubrió el impresionismo, que le impactó por el uso del color, pero el espíritu de los impresionistas estaba muy alejado de sus propios sentimientos: Nolde aplicaba el color en rápidos y nerviosos trazos que conferían a sus obras una turbulencia alejada de la tranquilidad y calma del impresionismo. Así, en 1906, fue invitado a participar en el movimiento del Die Brücke-el Puente-, grupo expresionista alemán. Nolde se adhiere, pero demasiado independiente, solitario y, fundamentalmente, intuitivo, al cabo de año y medio se separa de ellos.

En 1909 una grave enfermedad conmocionó su espíritu. Hombre profundamente religioso, se vería atormentado por su profundo sentimiento del pecado. Inicia una temática centrada en las representaciones bíblicas, en las que por un lado es patente la clara obsesión de Nolde por la naturaleza bestial del hombre enfangado en el pecado, y por otro se recrea en la felicidad tranquila de una vida espiritual.

La llegada de los nazis al poder en Alemania significó para Nolde persecución y calumnias. Su arte fue tildado en 1937 como "arte degenerado" y sus obras, en consecuencia, fueron requisadas; al mismo Nolde se le prohibió pintar. Pasado el terror nazi y la hecatombe bélica que provocó, Nolde volvió a sus pinceles y a sus viejos temas.

Falleció en Seebüll en 1956.

"Farmstead under Red Evening"

"White tree trunks"

Opinión personal sobre "Farmstead under Red Evening" y "White Tree Trunks":

No sabia cual de los dos cuadros elegir, así que aquí están los dos.

Me parecen dos cuadros exquisitos; los colores son tan alegres, divertidos... transmiten una sensación de pura vitalidad. Me encanta como en el primer cuadro, el cielo es como una explosión de colores recuerda tanto a un deslumbrante atardecer y en el segundo cuadro como tantas manchitas de diferentes colores da lugar a un tan bonito paisaje en el que no aparecen arboles de tronco marrón y copa verde sino que él dejó las manchitas en los lugares adecuados para que cada uno lo vea a su manera.

Dicho esto, añado que ha sido de los cuadros que más me han gustado.

La información ha sido sacada de:

www.pintura.aut.org

Otto Dix

Otto Dix, hijo de Franz Dix (1862-1942) y Louise Amann (1864-1953) nació en Unternhaus, Alemania, en 1891. Después de asistir a la escuela primaria local, trabajó hasta 1910, cuando se convirtió en un estudiante de la Escuela de Arte de Dresde y Oficios. Para ayudar a financiar su educación, aceptó las comisiones y los retratos de la gente local.

En el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 Dix voluntario en el ejército alemán y fue asignado a un regimiento de artillería de campaña en Dresde. En el otoño de 1915 Dix fue enviado al frente occidental, donde sirvió como un no-oficial encargado con una máquina de la unidad de arma de fuego. Fue en el Somme en los principales aliados ofensiva durante el verano de 1916. Dix fue herido varias veces durante la guerra. En una ocasión casi se muere cuando una esquirla de metralla le pegó en el cuello.
En 1917, luchó en el frente oriental y después de que Rusia negoció una paz con Alemania, Dix regresó a Francia, donde tomó parte en la Ofensiva de Primavera de Alemania. Al final de la guerra en 1918 Dix había ganado la Cruz de Hierro (segunda clase) y alcanzó el rango de vice-sargento mayor.
Después de la guerra Dix desarrollado opiniones de izquierda y sus pinturas y dibujos se convirtieron cada vez más político. Al igual que otros artistas alemanes como John Heartfield, George Grosz, Dix estaba furioso por la forma en que los heridos y lisiados ex soldados fueron tratados en Alemania.Esto se reflejó en pinturas como inválidos de guerra (1920), carnicería (1920) y Heridos de Guerra (1922).
En 1923 la pintura de Dix, la trinchera fue adquirido por el Museo Wallraf-Richartz. Cuando la pintura se exhibió en 1924 su representación de cadáveres descompuestos en una trinchera alemana creada como una protesta pública que el director del museo, Hans Secker, se vio obligado a dimitir.
En 1924, Dix se unió con otros artistas que habían luchado en la Primera Guerra Mundial para poner en una exposición itinerante de pinturas llamada no más guerra! Dix producido también un libro de grabados, La Guerra (1 924), que más tarde fue descrito por un crítico como "tal vez el más poderoso, así como así como la mayoría de declaraciones anti-guerra en el arte moderno".
Durante este período, Dix hizo un amplio uso de fotografías que había tomado de los soldados alemanes que habían sido desfigurado por la guerra. Muchas de estas fotografías se utilizaron más tarde por otro artista alemán anti-guerra, Ernst Friedrich, en su libro La guerra contra la guerra! (1924).
Dix trabajó durante seis años en lo que se considera que sus dos grandes obras maestras, Metropolis (1928) y (1932 guerra de trincheras). E n el panel izquierdo de la metrópoli, Dix se muestra como un inválido de guerra entrar Berlín y ser recibido por una fila de prostitutas haciendo señas. Guerra de trincheras es también un tríptico (un cuadro por parte de tres grupos de a lado) se refiere más directamente con la Primera Guerra Mundial. El zurdo panel muestra los soldados alemanes marchando a la guerra, el panel central es una escena de casas destruidas y cuerpos destrozados, y el panel derecho panel del lado muestra los soldados que luchan inicio de la guerra.
En 1933, Adolf Hitler llegó al poder en Alemania. Lucha contra Hitler y su gobierno nazi Dix gustaba de pinturas de militares y arreglos para que fuera despedido de su puesto como profesor de arte en la Academia de Dresde. Carta de despido de Dix dijo que su trabajo "amenazó con minar la voluntad del pueblo alemán para defenderse".
Dix izquierda Dresde y se fue a vivir cerca del lago Constanza, en el sur-oeste de Alemania. Poco después, dos de las pinturas de Dix, la trinchera y la guerra Lisiados, apareció en una exposición nazi para desacreditar el arte moderno. El espectáculo llamado Reflexiones de la decadencia se celebró en Dresde Ayuntamiento. Más tarde, varios de los anti Dix-pinturas de guerra fueron destruidos por las autoridades nazis en Alemania.
Dix respondió a las reflexiones de la exposición de la decadencia de la pintura de otro poderoso anti-guerra de pintura, Flandes (1934). Inspirado por inspirado en un pasaje de Le Fe, una novela de la Primera Guerra Mundial escrito por el soldado francés, Henri Barbusse, el cuadro muestra una escena de la frente. En la foto de los cadáveres flotan en el agua llena de agujeros de Shell, mientras que los soldados aún con vida se asemejan a los tocones de árboles podridos.
Después de los nazis llegaron al poder de los artistas en Alemania sólo podía trabajar como un artista, comprar materiales o mostrar su trabajo, si fueran miembros de la Cámara Imperial de Bellas Artes. Composición estaba controlada por el gobierno nazi y en 1934 Dix se le permitió convertirse en a un miembro a cambio de acuerdo a pintar paisajes en lugar de los sujetos políticos.
Aunque principalmente Dix pintó paisajes durante este período, todavía se produce la pintura alegórica de vez en cuando que contiene código de los ataques contra el gobierno nazi. En 1938, varias de estas pinturas, incluyendo Flandes, apareció en una exposición individual en Zurich.
En 1939, Dix fue arrestado y acusado de participar en una parcela en la vida de Hitler. Sin embargo, fue finalmente liberado y se retiraron los cargos. En la Segunda Guerra Mundial, Dix fue reclutado en el Volkssturm (alemán de Interior, de la Guardia). En 1945, Dix fue forzado a unirse al ejército alemán y al final de la guerra fue capturado y puesto en un prisionero de campo de la guerra.
Lanzado en febrero de 1946, Dix regresó a Dresde, una ciudad que había quedado prácticamente destruida por los bombardeos pesados. La mayoría de las pinturas de guerra de un puesto de Dix-eran alegorías religiosas.Sin embargo, las pinturas como Job (1946), Máscaras en ruinas (1946) y Ecce Homo II (1948) se refirió al sufrimiento causado por la Segunda Guerra Mundial. Dix falleció en 1969.

"Mujer con el niño"

Opinión personal sobre "Mujer con el niño":

El cuadro me da una impresión muy desagradable, como de desdicha, tristeza y hambre; El aspecto de la mujer y del bebe es muy feo y aparentan estar mal de salud, no parecen para nada personas sanas; La mujer está muy delgada y a consecuencia de eso, se le hunden los ojos y parecen más saltones, e incluyendo lo pálida que está, tiene casi aspecto de estar muerta; el bebe también está muy pálido y la forma de su cabeza es muy extraña. Los colores tampoco ayudan mucho, ya que son tonos oscuros y "sin vida".

El cuadro no me ha gustado mucho debido a lo que me provoca, pero, aun así, me ha llamado mucho la atención.

La información ha sido sacada de:

www.spartacus.schoolnet.co.uk

Kandinsky, Vasili Vasílievich

Pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto. Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odessa, y derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Murnau, la salida a Johannstrasse (1908) y Pintura con tres manchas (1914), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España), son dos de las obras que realizó en Munich antes de volver a Rusia tras el comienzo de la I Guerra Mundial. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno, no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos. En 1911 formó, junto con Franz Marc y otros expresionistas alemanes, el grupo Der Blaue Reiter (el jinete azul, nombre que procede de la predilección que profesaba Kandinsky por el color azul y el amor que sentía Marc por los caballos). Durante ese periodo realizó tanto obras abstractas como figurativas, caracterizadas todas ellas por el brillante colorido y la complejidad del diseño. Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. En 1912 publicó De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción, que difundió sus ideas por toda Europa. Fue también profesor en la Academia de Bellas Artes de Moscú entre 1918 y 1921, y entre 1922 y 1933 de la Bauhaus en Dessau, Alemania. Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos de perfil muy marcado y diseños claros. Composición VIII (1923, Museo Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos), por ejemplo, es un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas simples. En obras muy posteriores como Círculo y cuadrado (1943, colección privada) su estilo se hace más elegante y complejo y logra, así, obras de un bellísimo equilibrio. Fue uno de los artistas más influyentes de su generación. Como uno de los primeros exploradores de los principios de la abstracción no representacional o pura, puede considerársele uno de los pintores que sembró la semilla del expresionismo abstracto, escuela de pintura dominante desde la II Guerra Mundial. Murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.

"Composición VII"

La obra está elaborada al máximo en la forma, el signo y el motivo geométrico que el artista fue desarrollando. Tal es el caso de la Composición VII; la tela más famosa y también más grande pintada por Kandinsky, muestra de la ruptura en el arte que se inicia antes de la Primera Guerra Mundial. En esta obra, partiendo de un centro circular -ejecutado con elementos gráficos lineales- la composición se expande por los cuatro costados de la tela, como si se tratara de una barca que se sumerge en la idea apocalíptica del diluvio.

La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se toma lo esencial y se abstrae lo secundario. Su código es libre e intuitivo, trabaja con formas irregulares y con gran gama cromática. A Kandinsky le importa la mancha de color y la expresión.

Lo más característico de las obras de Kandinsky, y debido a su educación musical, las pinturas son una representación visual de las representaciones musicales. Cada una de las notas de la escala musical tiene predefinido un color.

En su afán por lograr una pintura no objetual pero también una justificación teórica para ella, escribe en 1910 De lo espiritual en el arte, que se convertiría en la obra más traducida y publicada del pintor. Presentado como un escrito teórico, Kandisky busca de manera emotiva cimentar las bases para el camino del arte abstracto.

Kandinsky busca cómo generar un arte vivo, equilibrado y emocionalmente fuerte, sin que deba limitarse a las formas y objetos que se encuentran en el mundo real.

El espectador se siente movido emocionalmente. Descubrirá entonces que determinados colores son realzados por determinadas formas y mitigados por otras. En todo caso, los colores agudos tienen mayor resonancia cualitativa en formas agudas (por ejemplo el amarillo en un triángulo). En los colores que tienden a la profundidad, se acentúa el efecto por formas redondas (por ejemplo, el azul en un círculo) y añade que, Está claro que la disonancia entre forma y color no es necesariamente desarmónica sino que, por el contrario, es una nueva posibilidad y por eso, armónica.

Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos, como por ejemplo, la Pintura con forma blanca, la Improvisación 34 (Oriente II), o la Composición VII.

Kandinsky se expresaba en forma de analogías, esto es, comparando unas cosas con otras.

Opinión personal sobre "Composición VII":

A mi el cuadro me transmite mucha vitalidad y alegría, ya que sus colores son claramente muy vivos y están muy bien combinados.

Personalmente, creo que no tengo mucho que decir de este cuadro, exceptuando que me ha gustado mucho debido a las sensaciones que me a provocado y lo bien que a venido para mi vista.

La información ha sido sacada de:

www.epdlp.com

www.parentesis.zonalibre.org

www.babad.com

Salvador Dalí

Pintor surrealista español nacido en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria (1931, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres.

"La persistencia de la memoria"

En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus.

Opinión personal sobre "La persistencia de la memoria":
Me parece un cuadro en el que se percibe mucha confusión y tormento, los colores no son muy llamativos y aun que no tiene mucho que ver con un cuadro paisajista, al fondo se puede ver una montaña y también apreciar su reflejo en el agua.
A mi el título del cuadro me da a entender que los dias y horas pasan, y de que tanto rueden los punteros del reloj, este se derrite en comparación con la memoria del ser humano, con el pasar del tiempo todo se olvida.
Los relojes, como la memoria se remblandesieron con el paso del tiempo.



La información ha sido sacada de:
www.wikipedia.es
www.epdlp.com