Kandinsky, Vasili Vasílievich

Pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto. Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odessa, y derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Murnau, la salida a Johannstrasse (1908) y Pintura con tres manchas (1914), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España), son dos de las obras que realizó en Munich antes de volver a Rusia tras el comienzo de la I Guerra Mundial. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno, no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos. En 1911 formó, junto con Franz Marc y otros expresionistas alemanes, el grupo Der Blaue Reiter (el jinete azul, nombre que procede de la predilección que profesaba Kandinsky por el color azul y el amor que sentía Marc por los caballos). Durante ese periodo realizó tanto obras abstractas como figurativas, caracterizadas todas ellas por el brillante colorido y la complejidad del diseño. Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. En 1912 publicó De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción, que difundió sus ideas por toda Europa. Fue también profesor en la Academia de Bellas Artes de Moscú entre 1918 y 1921, y entre 1922 y 1933 de la Bauhaus en Dessau, Alemania. Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos de perfil muy marcado y diseños claros. Composición VIII (1923, Museo Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos), por ejemplo, es un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas simples. En obras muy posteriores como Círculo y cuadrado (1943, colección privada) su estilo se hace más elegante y complejo y logra, así, obras de un bellísimo equilibrio. Fue uno de los artistas más influyentes de su generación. Como uno de los primeros exploradores de los principios de la abstracción no representacional o pura, puede considerársele uno de los pintores que sembró la semilla del expresionismo abstracto, escuela de pintura dominante desde la II Guerra Mundial. Murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.

"Composición VII"

La obra está elaborada al máximo en la forma, el signo y el motivo geométrico que el artista fue desarrollando. Tal es el caso de la Composición VII; la tela más famosa y también más grande pintada por Kandinsky, muestra de la ruptura en el arte que se inicia antes de la Primera Guerra Mundial. En esta obra, partiendo de un centro circular -ejecutado con elementos gráficos lineales- la composición se expande por los cuatro costados de la tela, como si se tratara de una barca que se sumerge en la idea apocalíptica del diluvio.

La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se toma lo esencial y se abstrae lo secundario. Su código es libre e intuitivo, trabaja con formas irregulares y con gran gama cromática. A Kandinsky le importa la mancha de color y la expresión.

Lo más característico de las obras de Kandinsky, y debido a su educación musical, las pinturas son una representación visual de las representaciones musicales. Cada una de las notas de la escala musical tiene predefinido un color.

En su afán por lograr una pintura no objetual pero también una justificación teórica para ella, escribe en 1910 De lo espiritual en el arte, que se convertiría en la obra más traducida y publicada del pintor. Presentado como un escrito teórico, Kandisky busca de manera emotiva cimentar las bases para el camino del arte abstracto.

Kandinsky busca cómo generar un arte vivo, equilibrado y emocionalmente fuerte, sin que deba limitarse a las formas y objetos que se encuentran en el mundo real.

El espectador se siente movido emocionalmente. Descubrirá entonces que determinados colores son realzados por determinadas formas y mitigados por otras. En todo caso, los colores agudos tienen mayor resonancia cualitativa en formas agudas (por ejemplo el amarillo en un triángulo). En los colores que tienden a la profundidad, se acentúa el efecto por formas redondas (por ejemplo, el azul en un círculo) y añade que, Está claro que la disonancia entre forma y color no es necesariamente desarmónica sino que, por el contrario, es una nueva posibilidad y por eso, armónica.

Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos, como por ejemplo, la Pintura con forma blanca, la Improvisación 34 (Oriente II), o la Composición VII.

Kandinsky se expresaba en forma de analogías, esto es, comparando unas cosas con otras.

Opinión personal sobre "Composición VII":

A mi el cuadro me transmite mucha vitalidad y alegría, ya que sus colores son claramente muy vivos y están muy bien combinados.

Personalmente, creo que no tengo mucho que decir de este cuadro, exceptuando que me ha gustado mucho debido a las sensaciones que me a provocado y lo bien que a venido para mi vista.

La información ha sido sacada de:

www.epdlp.com

www.parentesis.zonalibre.org

www.babad.com