Edward Hopper

Pintor estadounidense cuya obra marcó un hito en la historia del realismo americano pues logró plasmar en su arte esa sensibilidad particular del siglo XX en Estados Unidos, que se caracteriza por el aislamiento, la soledad y la melancolía. Nació el 22 de julio de 1882 en Nyack, estado de Nueva York, y entre 1899 y 1900 estudió dibujo en una escuela de diseño comercial en Nueva York. Hacia 1901 dejó el dibujo por la pintura, que estudió en la Escuela de Arte de esa ciudad hasta 1906, sobre todo con Robert Henri. Entre 1906 y 1910 realizó tres viajes a Europa. Permaneció al margen de las experimentaciones cubistas de franceses y españoles, pero sí le influyeron Diego Velázquez, Francisco de Goya, Honoré Daumier y Édouard Manet, cuya obra había conocido a través de sus profesores de Nueva York. Las pinturas de su primera época, como Le pavillon de flore (1909, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York), siguen una línea realista y muestran algunas de las características básicas que mantendría durante toda su carrera artística, composición basada en formas geométricas grandes y sencillas, áreas de color planas y utilización de elementos arquitectónicos para introducir en sus escenas fuertes líneas verticales, horizontales y diagonales. Aunque exhibió una obra en el Armory Show de Nueva York en 1913, ésta despertó poco interés y durante la década siguiente se vio obligado a trabajar principalmente como ilustrador comercial. En 1925 pintó La casa cercana a la estación (Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York), obra clave del arte estadounidense que marca la madurez de su estilo. El modo sólido y directo de marcar formas y ángulos sobre el lienzo y la utilización resuelta de luces y sombras se mantienen dentro de la línea de su obra anterior, pero el espíritu que marcaba el tema esencial de la obra era nuevo, expresaba una atmósfera de aislamiento total y de soledad casi sobrecogedora. En 1931 pintó Habitación de hotel (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España) donde se entrecruzan varios de los motivos recurrentes en Hooper, el del hotel, el de la figura aislada en un interior y el del viajero. Continuó trabajando dentro de ese estilo durante toda su vida, refinándolo y perfeccionándolo, sin abandonar jamás sus principios básicos. La mayoría de las obras tienen como escenario el estado de Nueva York o Nueva Inglaterra, tanto los paisajes naturales como los urbanos son sencillos e íntimos, calles desiertas, teatros medio vacíos, estaciones de gasolina, vías de ferrocarril, hoteles. Una de sus obras más conocidas, Los halcones de la noche (1942, Instituto de Arte de Chicago), muestra un café por la noche, con unos pocos clientes que no se hablan, bajo una despiadada luz eléctrica. Aunque su obra se mantuvo al margen de las principales corrientes abstractas del siglo XX, su estilo simple y esquemático fue uno de los que influyó en la vuelta al arte figurativo posterior y en el Pop Art. Murió el 15 de mayo de 1967 en Nueva York.

Obras de Edward Hopper:

Opinión personal sobre las obras de Hopper:

Yo he notado en la mayoría de las obras de Hopper, que le gusta plasmar sus escenas en un lugar en concreto, casi siempre exteriores. Me gusto bastante sus pinturas, son muy bonitas y muy vivas. No es un pintor de exagerar mucho los detalles, pero aun asi, yo las veo de cierta forma un tanto reales; casi siempre escenas cotidianas, pero de la época.

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Lucien Freud

Nació en Berlín, 8 de diciembre de 1922. Es un pintor y grabador británico, nieto de Sigmund Freud padre del psicoanálisis, y hermano de Clement Freud. La familia Freud emigró al Reino Unido en el año 1933, recibiendo la nacionalidad británica en 1939. Durante este periodo estudió en el Dartington Hall School en Totnes, Devon, y después en el Bryanston School. Estuvo estudiando durante un breve período de tiempo en la Central School of Art de Londres y después con mucho éxito en la Cedric Morris's East Anglian School de Pintura y dibujo en Dedham. Se alistó como marino mercante en un convoy del Atlántico Norte en 1941 antes de serle invalidado su servicio en 1942. En su primera exhibición individual, en la Lefevre Gallery de 1944, se expuso su celebrado cuadro "El Cuarto del Pintor". Para el verano de 1946, viajó a Paris antes de continuar a Italia por varios meses. Desde entonces vive y trabaja en Londres.

Las primeras pinturas de Freud a menudo están asociadas con el surrealismo y muestran personas y plantas en yuxtaposiciones inusuales. Estos trabajos están usualmente hechos con pintura muy fina y a partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del empasto. Los colores son a menudo neutros. Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo. Como él mismo dice en sus memorias: "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son".

Obras de Lucien Freud:

Opinión personal sobre las obras de Lucian Freud:
Me parece muy interesante ante todo, porque desde luego se nota que la intención de Freud no era que a sus cuadros les dijeran bonitos, sino realistas.

Lo que retrata en sus obras, son escenas feas, mejor dicho no muy agradables de ver; Pero es lo que él pretendió reflejarlo siempre o caras y cuerpos bellos, simplemente la pura y dura realidad, que seguramente a muchos no les guste verla, pero para él es lo que se debe retratar. En su tiempo, supongo que sería muy criticado, por que, no es el tipo de arte que les gustaría ver a la gente, es un arte más bien obsceno. Pero, como es y siempre será, los que innovan son los que a la larga, se hacen los más famosos y prestigiados.

Así que, hay está, se hizo muy famoso a partir de sus obras de gran realidad. Y como él dijo: “Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son”.

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Fernando Botero

Pintor, dibujante y escultor colombiano, en el que la monumentalidad, el humor, la ironía y la ingenuidad se combinan con un admirable dominio del oficio y gran talento. Nacido en Medellín en 1932, inicia su actividad artística en 1948 como ilustrador del periódico El Colombiano, al tiempo que participa en su primera exposición conjunta —Exposición de Pintores Antioqueños— Medellín 1948. Tres años más tarde se traslada a Bogotá y celebra su primera exposición individual (Mujer llorando, 1949). En 1952 viaja a España y sigue estudios en la Academia de San Fernando de Madrid, al tiempo que asiste al Museo del Prado donde estudia y copia la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya. Entre 1953 y 1955 viaja a Francia, Italia y estudia en Florencia pintura al fresco, tras su regreso en 1955, permanece un año en Bogotá (donde su obra no tuvo buena acogida), otro año en México (conoce a Rufino Tamayo y José Luis Cuevas) y en 1957 visita Estados Unidos. Allí celebra su primera exposición individual en la Pan-American Union de Washington. A los 26 años es nombrado profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá, en 1960 se instala en Nueva York y en 1973 fija su residencia definitivamente en París. En principio sus obras revelan cierta admiración por el muralismo mexicano y la pintura del renacimiento italiano (Partida, 1954), pero más tarde estas influencias van desapareciendo en favor de un personalísimo estilo, en el que las figuras engordan y se deforman hasta cubrir en buena parte el lienzo (Prelado, 1959), los cuadros de esos años denotan la influencia del surrealismo. La historia del arte (Autorretrato con Luis XIV visto por Rigaud, 1973), la vida burguesa (Escena familiar, 1969), la cultura colombiana (Baile en Colombia, 1980) y los personajes históricos (Luis XIV y María Antonieta en visita a Medellín, Colombia, 1990) constituyen a lo largo de su carrera las principales fuentes de inspiración, de una dilatada y variada producción en la que abundan paisajes, retratos y escenas costumbristas. Sus primeras pinturas muestran una pincelada suelta y concreta, pero poco a poco ésta se empasta, al tiempo que las perspectivas y las figuras se hacen arbitrarias en función de la importancia que tengan en la representación. Óleo, acuarela, pastel, sanguina o lápiz son manejados con gran destreza a lo largo de su obra. Botero emplea la gordura como base de una cariñosa burla para comentar ciertos aspectos de la vida (La alcoba nupcial, 1958). A partir de 1960, lleva a cabo entre su variada temática una serie de obras en las que parece rendir tributo a los grandes maestros de la pintura universal como Mona Lisa a los doce años (1959), Rubens con su esposa (1965) o Autorretrato según Velázquez (1986). Su afición por los toros le lleva en la década de 1980 a dedicarse casi en exclusiva a este tema (La pica, 1984, El quite, 1988). La misma voluptuosidad e ingenuidad que caracteriza su pintura, se encuentra en la escultura cuya producción se inicia en París en 1973, se trata en su mayor parte de figuras y animales de tamaños grandiosos y desproporcionados de gran singularidad (Venus, 1977, Perro, 1981, Soldado romano, 1986, Mujer a caballo, 1991), realizados en bronce, mármol y resina fundida. En 1992 Montecarlo y los Campos Elíseos de París acogieron una Exposición de Escultura Monumental, y el Gran Palais (París) otra sobre toros, La Corrida. El tratamiento exagerado en sus proporciones de la figura humana es hoy una de las características inconfundibles de su obra, que ha sufrido pocas variaciones desde sus comienzos. En la actualidad vive entre París, Nueva York y Bogotá.

"Mona Lisa, Bailarines y El Baño"

"Opinión personal sobre las obras de Botero"
Me encanta su fascinación por los gorditos; Es muy interesante ya que nadie nunca había pintado como él. Sus cuadros y los colores que utiliza son como el de cualquier pintor, pero, lo que tiene de especial y de diferente es que sus protagonistas serán siempre gordos y con muchas curvas, y no las mismas personas aparentemente guapas como en todas las demás pinturas.


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Keith Haring

Nació el 4 de mayo de 1958 en Reading, Pennsylvania, y fue levantado en las cercanías de Kutztown, Pennsylvania. Él desarrolló un amor por el dibujo desde una edad muy temprana, el aprendizaje de habilidades básicas de la caricatura de su padre y de la cultura popular en torno a él, como el Dr. Seuss y Walt Disney.

Al graduarse de la escuela secundaria en 1976, Haring matriculados en la Escuela Profesional de Hiedra de arte en Pittsburgh, una escuela de artes comerciales. Pronto se dio cuenta de que había poco interés en convertirse en un artista gráfico comercial y, después de dos semestres, se retiró. Mientras que en Pittsburgh, Haring continuó estudiando y trabajar por su cuenta y en 1978 había una exposición individual de su obra en el Centro de Artes y Oficios de Pittsburgh.

Más tarde, ese mismo año, Haring se trasladó a Nueva York y se matriculó en la Escuela de Artes Visuales (SVA). En Nueva York, Haring encontró una próspera comunidad de arte alternativo que se estaba desarrollando fuera del sistema de galerías y museos, en las calles del centro, los subterráneos y los espacios en clubes y salones de baile antiguo. Aquí se hizo amigo de artistas como Kenny Scharf y Jean-Michel Basquiat, así como los músicos, artistas de performance y escritores de graffiti que componían la comunidad artística floreciente. Haring fue arrastrado por la energía y el espíritu de esta escena y comenzó a organizar y participar en exposiciones y actuaciones en el Club 57 y otros espacios alternativos.

Además de ser impresionado por la innovación y la energía de sus contemporáneos, Haring también se inspiró en la obra de Jean Dubuffet, Pierre Alechinsky, William Burroughs, Brion Gysin y Henri manifiesto de Robert El Espíritu del Arte, que afirmaba la radical independencia del artista. Con estas influencias Haring fue capaz de empujar sus impulsos juveniles para con un tipo singular de expresión gráfica basada en la primacía de la línea. También señaló a la naturaleza y de participación pública de la obra de Christo, en particular, ejecutar la cerca, y por la original fusión de Andy Warhol de arte y vida, Haring estaba decidido a dedicar su carrera a la creación de un arte verdaderamente pública.

Como estudiante en la SVA, Haring experimentado con performance, video, instalación y collage, manteniendo siempre un fuerte compromiso con el dibujo. En 1980, Haring encontró un medio muy eficaz que le permitió comunicarse con una audiencia más amplia que deseaba, cuando se dio cuenta de los paneles de publicidad sin usar cubiertos con papel negro mate en una estación de metro. Empezó a crear dibujos con tiza blanca sobre estos paneles de papel en blanco en todo el sistema de metro. Entre 1980 y 1985, Haring había producido centenares de estos dibujos público en rápidas líneas rítmicas, creando a veces hasta cuarenta "dibujos" de subterráneos en un día. Este flujo continuo de imágenes se hizo familiar a Nueva York los viajeros, que a menudo se detenía para realizar el artista cuando lo encontró en el trabajo. El metro se ha convertido, Haring dijo, en un "laboratorio" para la elaboración de sus ideas y experimentar con sus líneas simples.

Entre 1980 y 1989, Haring alcanzado reconocimiento internacional y ha participado en numerosos grupos y exposiciones en solitario. Su primera exposición individual en Nueva York se llevó a cabo en el Espacio Pintores Westbeth en 1981. En 1982, hizo su debut en la galería de Soho con un inmensamente popular y altamente aclamado una exposición individual en la galería de Tony Shafrazi. Durante este período, también participó en la famosa encuesta exposiciones internacionales como Documenta 7 de Kassel, la Bienal de São Paulo y la Bienal del Whitney. Haring ha completado numerosos proyectos públicos en la primera mitad de los años 80, así, que van desde la animación de la valla Spectacolor en Times Square, el diseño de decorados y telones para teatros y clubes, el desarrollo de diseños de relojes de Swatch y una campaña de publicidad del vodka Absolut, y la creación de murales en todo el mundo.

En abril de 1986, Haring abrió la tienda Pop, una tienda en el Soho de vender camisetas, juguetes, carteles, botones y los imanes que lleva su imagen. Haring considera la tienda a ser una extensión de su obra y pintado todo el interior de la tienda en un mural abstracto en negro blanco, que crean un ambiente al por menor sorprendente y único. La tienda tenía por objeto permitir a la gente mayor acceso a su obra, que ahora estaba disponible en los productos a un bajo costo. La tienda recibió las críticas de muchos en el mundo del arte, sin embargo Haring mantiene su compromiso con su deseo de hacer su obra a disposición de un público tan amplio como sea posible, y recibió un fuerte apoyo para su proyecto de amigos, fans y mentores, como Andy Warhol.

A lo largo de su carrera, Haring dedicado gran parte de su tiempo a obras públicas, que a menudo llevaba mensajes sociales. Produjo más de 50 obras de arte público entre 1982 y 1989, en decenas de ciudades de todo el mundo, muchos de los cuales fueron creados para obras de caridad, hospitales, centros para niños de guarderías y orfanatos. El ahora famoso mural Crack es Wack de 1986 se ha convertido en un hito a lo largo de York FDR nueva unidad. Otros proyectos incluyen: un mural creado para el aniversario número 100 de la Estatua de la Libertad en 1986, en el que Haring trabajó con 900 niños; un mural en el exterior del Hospital Necker para niños en París, Francia en 1987, y un mural pintado en la parte occidental lado del muro de Berlín tres años antes de su caída. Haring también celebró talleres de dibujo para los niños en las escuelas y museos de Nueva York, Amsterdam, Londres, Tokio y Burdeos, y produjo imágenes de los programas de alfabetización y otras muchas campañas de servicio público.

En 1989, estableció la Fundación Keith Haring, con el mandato de proporcionar fondos y las imágenes a las organizaciones de SIDA y los programas infantiles, y para ampliar la audiencia para el trabajo de Haring a través de exposiciones, publicaciones y la concesión de licencias de sus imágenes. Haring se alistó sus imágenes en los últimos años de su vida a hablar de su propia enfermedad y generar el activismo y la concienciación sobre el SIDA.

Durante una carrera breve pero intensa que se extendió por la década de 1980, el trabajo de Haring fue ofrecido en más de 100 exposiciones individuales y colectivas. En 1986 solamente, que fue objeto de más de 40 artículos de periódicos y revistas. Fue muy buscados para participar en proyectos de colaboración, y trabajó con artistas e intérpretes tan diversos como Madonna, Grace Jones, Bill T. Jones, William Burroughs, Timothy Leary, Jenny Holzer, Yoko Ono y Andy Warhol. Al expresar los conceptos universales de nacimiento, muerte, amor, sexo y guerra, con una primacía de la línea y la franqueza de mensaje, Haring fue capaz de atraer a un público amplio y asegurar la accesibilidad y capacidad de resistencia de sus imágenes, que se ha convertido en un reconocido universalmente lenguaje visual del siglo 20.

Keith Haring murió de complicaciones relacionadas con el SIDA a la edad de 31 el 16 de febrero de 1990. Un servicio conmemorativo se celebró el 04 de mayo 1990 en la Catedral de San Juan el Divino de Nueva York, con más de 1.000 personas que asistieron.

Desde su muerte, Haring ha sido objeto de varias retrospectivas internacionales. La obra de Keith Haring se puede ver hoy en las exposiciones y colecciones de los museos más importantes del mundo.

"Algunas de sus Obras":

"Opinión personal sobre las obras de Haring":

Me llamo mucho la tención el estilo y las obras de Haring, ya que claramente era una forma bastante innovadora del arte incluso ya en aquel tiempo. Lo impresionante es hasta donde pudo llegar con su "arte de calle". El arte que, ya siendo, en colores o blanco y negro, llama la mucho atención de cualquier que puede admirarlo.

Lo que me llevó a elegirlo entre otros pintores fue mayormente los logros que consiguió en su vida, y claro que el mayor, fue su particular arte.

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Roy Lichtenstein

Nace el 27 de octubre de 1923 en la ciudad de New York, en una familia de clase media y tiene una hermana. Asiste a una escuela secundaria privada de New York en la que el arte no consta en el programa. Empieza a dibujar y a pintar de adolescente solo en su casa. se interesa por el Jazz, y frecuenta conciertos en el Apollo Theater, Harlem y en varios clubes de la calle 52 que le llevan a pintar retratos de músicos de Jazz, a menudo tocando sus instrumentos. Busca la inspiración en Picasso. Se gradúa en la escuela secundaria con el firme convencimiento de estudia Arte y se matricula en la escuela de Bellas Artes de Ohio, dónde un profesor le enseño que "el arte trata de la percepción organizada". "Me enseñó la manera de abordar el aprendizaje y a mirar." A ésta época corresponden sus obras expresionistas de modelos y naturalezas muertas. Ya reclutado en el ejercito, dibuja a la naturaleza a la aguada, lápiz y pastel. Luego de concluir sus estudios, al volver de la guerra, se centra principalmente en abstracciones geométricas seguidas de pinturas semi abstractas inspiradas en el cubismo. En 1949 obtiene el Masters de Bellas Artes en la Universidad estatal de Ohio. En el mismo año se casa con Isabel Wilson, de la Carlebach Gallery. Con el tiempo su obra se hará más suelta e impresionista.

Lichtenstein se traslada a Cleveland donde trabaja de dibujante gráfico y mecánico, decorador de escaparates, diseñador de chapas metálicas...Nacen sus hijos, David Hoyt Lichtenstein y Mitchell Wilson Lichtenstein. Es nombrado profesor ayudante de arte en la Universidad Estatal de New York, Oswego. Las obras correspondientes al período 1952-1960 fluctúan entre el expresionismo abstracto no figurativo y dibujos de imaginería de cómics (figuras de Disney, como Mickey Mouse, Donald, etc.)

Más tarde Lichtenstein se traslada a New Yersey donde conoce a Allan Kaprow, que lo inicia en los happenings y ambientes. Conoce a Claes Oldenburg, Robert Watts, Jim Dine, Robert Watts, Robert Whitman, Lucas Samara y George Segal. Los artistas de happening/ambientes reavivan su interes por la imaginería protopop. Sus primeras pinturas pop se registran hacia 1961, centrándose en imágenes y técnicas de tiras cómicas derivadas de la impresión comercial. Produce una serie de viñetas cómicas con cambios mínimos dibujadas directamente sobre la tela preparada con lápiz y pintadas al óleo. Empieza a utilizar la imaginería de la publicidad que evoca el consumismo y las tareas domesticas. En 1962 tiene oportunidad de ver la obra de Andy Warhol, que también aplica imaginería de cómics en la Leo Castelli Gallery. Castelli acepta a Lichtenstein y rechaza a Warhol).

Hacia 1964, y luego de volver a New York, realiza una exposición retrospectiva en el Pasadena Art Museum. Esta exposición se presentaría también en Amsterdam, Minneapolis, Londres, Berna y Hannover. Se casa con dorothy Herzka. Luego se dedicaría a las pinturas modernas con imaginería de los años treinta.

En 1969 trabaja en New York con Joel Freedman de las Cinneamon Productions y experimenta cinematográficamente. Diez años mas tarde, la fundación Nacional para las Artes le encarga una escultura publica: "Sirena" de unos tres metros de acero y hormigón, para el Theater of the Performing Arts, Miami Beach, Florida. También es elegido miembro de la American Academy and Institute of Arts and Letters. Exposición retrospectiva de los años sesenta, organizada por el Saint Louis Museum, que viajaba por Japón, Europa y Estados Unidos, en 1981. Pinto, en 1983, el Mural de Greene Street 142, New York. Exposición retrospectiva de dibujos en el Museo de Arte Moderno, New York, también presentada en Frankfurt en 1988.

Finalmente fallece el 30 de septiembre de 1997, año en el cual algunas de sus pinturas son animadas y exhibidas en el PopMart Tour, gira musical organizada por el grupo irlandés U2, alrededor del mundo.

" The Pop Art "

Opinión personal sobre Pop Art de Lichtenstein:

A mi particularmente me encantan estos tipos de imágenes, son tan irreales con esos personajes tan perfectos,( por así decirlo), mujeres y hombres esbeltos y muy guapos con labios carnosos; pero al mismo tiempo muchas de ellas transmiten mucho, tienen mucha fuerza, cada una transmite exactamente lo que tienen que transmitir por lo que son muy expresivas.

Su forma de pintar la tez con puntitos me parece muy original, bueno y claramente se pueden ver en casi todas sus obras que tiene una clara obsesión con las rubias.

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Emil Nolde

Nació en Nolde en 1867, su verdadero nombre era Emil Hansen, que cambió por el de su ciudad de origen. Su familia era campesina, de una región cercana a la frontera danesa. Se inició en el arte en Flensburg como tallista de figuras de madera. Sólo el éxito de unas extrañas tarjetas postales, que reproducían algunas obras suyas, permitieron a Nolde dedicarse a su formación pictórica sin agobios económicos. En París descubrió el impresionismo, que le impactó por el uso del color, pero el espíritu de los impresionistas estaba muy alejado de sus propios sentimientos: Nolde aplicaba el color en rápidos y nerviosos trazos que conferían a sus obras una turbulencia alejada de la tranquilidad y calma del impresionismo. Así, en 1906, fue invitado a participar en el movimiento del Die Brücke-el Puente-, grupo expresionista alemán. Nolde se adhiere, pero demasiado independiente, solitario y, fundamentalmente, intuitivo, al cabo de año y medio se separa de ellos.

En 1909 una grave enfermedad conmocionó su espíritu. Hombre profundamente religioso, se vería atormentado por su profundo sentimiento del pecado. Inicia una temática centrada en las representaciones bíblicas, en las que por un lado es patente la clara obsesión de Nolde por la naturaleza bestial del hombre enfangado en el pecado, y por otro se recrea en la felicidad tranquila de una vida espiritual.

La llegada de los nazis al poder en Alemania significó para Nolde persecución y calumnias. Su arte fue tildado en 1937 como "arte degenerado" y sus obras, en consecuencia, fueron requisadas; al mismo Nolde se le prohibió pintar. Pasado el terror nazi y la hecatombe bélica que provocó, Nolde volvió a sus pinceles y a sus viejos temas.

Falleció en Seebüll en 1956.

"Farmstead under Red Evening"

"White tree trunks"

Opinión personal sobre "Farmstead under Red Evening" y "White Tree Trunks":

No sabia cual de los dos cuadros elegir, así que aquí están los dos.

Me parecen dos cuadros exquisitos; los colores son tan alegres, divertidos... transmiten una sensación de pura vitalidad. Me encanta como en el primer cuadro, el cielo es como una explosión de colores recuerda tanto a un deslumbrante atardecer y en el segundo cuadro como tantas manchitas de diferentes colores da lugar a un tan bonito paisaje en el que no aparecen arboles de tronco marrón y copa verde sino que él dejó las manchitas en los lugares adecuados para que cada uno lo vea a su manera.

Dicho esto, añado que ha sido de los cuadros que más me han gustado.

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Otto Dix

Otto Dix, hijo de Franz Dix (1862-1942) y Louise Amann (1864-1953) nació en Unternhaus, Alemania, en 1891. Después de asistir a la escuela primaria local, trabajó hasta 1910, cuando se convirtió en un estudiante de la Escuela de Arte de Dresde y Oficios. Para ayudar a financiar su educación, aceptó las comisiones y los retratos de la gente local.

En el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 Dix voluntario en el ejército alemán y fue asignado a un regimiento de artillería de campaña en Dresde. En el otoño de 1915 Dix fue enviado al frente occidental, donde sirvió como un no-oficial encargado con una máquina de la unidad de arma de fuego. Fue en el Somme en los principales aliados ofensiva durante el verano de 1916. Dix fue herido varias veces durante la guerra. En una ocasión casi se muere cuando una esquirla de metralla le pegó en el cuello.
En 1917, luchó en el frente oriental y después de que Rusia negoció una paz con Alemania, Dix regresó a Francia, donde tomó parte en la Ofensiva de Primavera de Alemania. Al final de la guerra en 1918 Dix había ganado la Cruz de Hierro (segunda clase) y alcanzó el rango de vice-sargento mayor.
Después de la guerra Dix desarrollado opiniones de izquierda y sus pinturas y dibujos se convirtieron cada vez más político. Al igual que otros artistas alemanes como John Heartfield, George Grosz, Dix estaba furioso por la forma en que los heridos y lisiados ex soldados fueron tratados en Alemania.Esto se reflejó en pinturas como inválidos de guerra (1920), carnicería (1920) y Heridos de Guerra (1922).
En 1923 la pintura de Dix, la trinchera fue adquirido por el Museo Wallraf-Richartz. Cuando la pintura se exhibió en 1924 su representación de cadáveres descompuestos en una trinchera alemana creada como una protesta pública que el director del museo, Hans Secker, se vio obligado a dimitir.
En 1924, Dix se unió con otros artistas que habían luchado en la Primera Guerra Mundial para poner en una exposición itinerante de pinturas llamada no más guerra! Dix producido también un libro de grabados, La Guerra (1 924), que más tarde fue descrito por un crítico como "tal vez el más poderoso, así como así como la mayoría de declaraciones anti-guerra en el arte moderno".
Durante este período, Dix hizo un amplio uso de fotografías que había tomado de los soldados alemanes que habían sido desfigurado por la guerra. Muchas de estas fotografías se utilizaron más tarde por otro artista alemán anti-guerra, Ernst Friedrich, en su libro La guerra contra la guerra! (1924).
Dix trabajó durante seis años en lo que se considera que sus dos grandes obras maestras, Metropolis (1928) y (1932 guerra de trincheras). E n el panel izquierdo de la metrópoli, Dix se muestra como un inválido de guerra entrar Berlín y ser recibido por una fila de prostitutas haciendo señas. Guerra de trincheras es también un tríptico (un cuadro por parte de tres grupos de a lado) se refiere más directamente con la Primera Guerra Mundial. El zurdo panel muestra los soldados alemanes marchando a la guerra, el panel central es una escena de casas destruidas y cuerpos destrozados, y el panel derecho panel del lado muestra los soldados que luchan inicio de la guerra.
En 1933, Adolf Hitler llegó al poder en Alemania. Lucha contra Hitler y su gobierno nazi Dix gustaba de pinturas de militares y arreglos para que fuera despedido de su puesto como profesor de arte en la Academia de Dresde. Carta de despido de Dix dijo que su trabajo "amenazó con minar la voluntad del pueblo alemán para defenderse".
Dix izquierda Dresde y se fue a vivir cerca del lago Constanza, en el sur-oeste de Alemania. Poco después, dos de las pinturas de Dix, la trinchera y la guerra Lisiados, apareció en una exposición nazi para desacreditar el arte moderno. El espectáculo llamado Reflexiones de la decadencia se celebró en Dresde Ayuntamiento. Más tarde, varios de los anti Dix-pinturas de guerra fueron destruidos por las autoridades nazis en Alemania.
Dix respondió a las reflexiones de la exposición de la decadencia de la pintura de otro poderoso anti-guerra de pintura, Flandes (1934). Inspirado por inspirado en un pasaje de Le Fe, una novela de la Primera Guerra Mundial escrito por el soldado francés, Henri Barbusse, el cuadro muestra una escena de la frente. En la foto de los cadáveres flotan en el agua llena de agujeros de Shell, mientras que los soldados aún con vida se asemejan a los tocones de árboles podridos.
Después de los nazis llegaron al poder de los artistas en Alemania sólo podía trabajar como un artista, comprar materiales o mostrar su trabajo, si fueran miembros de la Cámara Imperial de Bellas Artes. Composición estaba controlada por el gobierno nazi y en 1934 Dix se le permitió convertirse en a un miembro a cambio de acuerdo a pintar paisajes en lugar de los sujetos políticos.
Aunque principalmente Dix pintó paisajes durante este período, todavía se produce la pintura alegórica de vez en cuando que contiene código de los ataques contra el gobierno nazi. En 1938, varias de estas pinturas, incluyendo Flandes, apareció en una exposición individual en Zurich.
En 1939, Dix fue arrestado y acusado de participar en una parcela en la vida de Hitler. Sin embargo, fue finalmente liberado y se retiraron los cargos. En la Segunda Guerra Mundial, Dix fue reclutado en el Volkssturm (alemán de Interior, de la Guardia). En 1945, Dix fue forzado a unirse al ejército alemán y al final de la guerra fue capturado y puesto en un prisionero de campo de la guerra.
Lanzado en febrero de 1946, Dix regresó a Dresde, una ciudad que había quedado prácticamente destruida por los bombardeos pesados. La mayoría de las pinturas de guerra de un puesto de Dix-eran alegorías religiosas.Sin embargo, las pinturas como Job (1946), Máscaras en ruinas (1946) y Ecce Homo II (1948) se refirió al sufrimiento causado por la Segunda Guerra Mundial. Dix falleció en 1969.

"Mujer con el niño"

Opinión personal sobre "Mujer con el niño":

El cuadro me da una impresión muy desagradable, como de desdicha, tristeza y hambre; El aspecto de la mujer y del bebe es muy feo y aparentan estar mal de salud, no parecen para nada personas sanas; La mujer está muy delgada y a consecuencia de eso, se le hunden los ojos y parecen más saltones, e incluyendo lo pálida que está, tiene casi aspecto de estar muerta; el bebe también está muy pálido y la forma de su cabeza es muy extraña. Los colores tampoco ayudan mucho, ya que son tonos oscuros y "sin vida".

El cuadro no me ha gustado mucho debido a lo que me provoca, pero, aun así, me ha llamado mucho la atención.

La información ha sido sacada de:

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Kandinsky, Vasili Vasílievich

Pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto. Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odessa, y derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Murnau, la salida a Johannstrasse (1908) y Pintura con tres manchas (1914), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España), son dos de las obras que realizó en Munich antes de volver a Rusia tras el comienzo de la I Guerra Mundial. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno, no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos. En 1911 formó, junto con Franz Marc y otros expresionistas alemanes, el grupo Der Blaue Reiter (el jinete azul, nombre que procede de la predilección que profesaba Kandinsky por el color azul y el amor que sentía Marc por los caballos). Durante ese periodo realizó tanto obras abstractas como figurativas, caracterizadas todas ellas por el brillante colorido y la complejidad del diseño. Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. En 1912 publicó De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción, que difundió sus ideas por toda Europa. Fue también profesor en la Academia de Bellas Artes de Moscú entre 1918 y 1921, y entre 1922 y 1933 de la Bauhaus en Dessau, Alemania. Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos de perfil muy marcado y diseños claros. Composición VIII (1923, Museo Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos), por ejemplo, es un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas simples. En obras muy posteriores como Círculo y cuadrado (1943, colección privada) su estilo se hace más elegante y complejo y logra, así, obras de un bellísimo equilibrio. Fue uno de los artistas más influyentes de su generación. Como uno de los primeros exploradores de los principios de la abstracción no representacional o pura, puede considerársele uno de los pintores que sembró la semilla del expresionismo abstracto, escuela de pintura dominante desde la II Guerra Mundial. Murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.

"Composición VII"

La obra está elaborada al máximo en la forma, el signo y el motivo geométrico que el artista fue desarrollando. Tal es el caso de la Composición VII; la tela más famosa y también más grande pintada por Kandinsky, muestra de la ruptura en el arte que se inicia antes de la Primera Guerra Mundial. En esta obra, partiendo de un centro circular -ejecutado con elementos gráficos lineales- la composición se expande por los cuatro costados de la tela, como si se tratara de una barca que se sumerge en la idea apocalíptica del diluvio.

La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se toma lo esencial y se abstrae lo secundario. Su código es libre e intuitivo, trabaja con formas irregulares y con gran gama cromática. A Kandinsky le importa la mancha de color y la expresión.

Lo más característico de las obras de Kandinsky, y debido a su educación musical, las pinturas son una representación visual de las representaciones musicales. Cada una de las notas de la escala musical tiene predefinido un color.

En su afán por lograr una pintura no objetual pero también una justificación teórica para ella, escribe en 1910 De lo espiritual en el arte, que se convertiría en la obra más traducida y publicada del pintor. Presentado como un escrito teórico, Kandisky busca de manera emotiva cimentar las bases para el camino del arte abstracto.

Kandinsky busca cómo generar un arte vivo, equilibrado y emocionalmente fuerte, sin que deba limitarse a las formas y objetos que se encuentran en el mundo real.

El espectador se siente movido emocionalmente. Descubrirá entonces que determinados colores son realzados por determinadas formas y mitigados por otras. En todo caso, los colores agudos tienen mayor resonancia cualitativa en formas agudas (por ejemplo el amarillo en un triángulo). En los colores que tienden a la profundidad, se acentúa el efecto por formas redondas (por ejemplo, el azul en un círculo) y añade que, Está claro que la disonancia entre forma y color no es necesariamente desarmónica sino que, por el contrario, es una nueva posibilidad y por eso, armónica.

Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos, como por ejemplo, la Pintura con forma blanca, la Improvisación 34 (Oriente II), o la Composición VII.

Kandinsky se expresaba en forma de analogías, esto es, comparando unas cosas con otras.

Opinión personal sobre "Composición VII":

A mi el cuadro me transmite mucha vitalidad y alegría, ya que sus colores son claramente muy vivos y están muy bien combinados.

Personalmente, creo que no tengo mucho que decir de este cuadro, exceptuando que me ha gustado mucho debido a las sensaciones que me a provocado y lo bien que a venido para mi vista.

La información ha sido sacada de:

www.epdlp.com

www.parentesis.zonalibre.org

www.babad.com